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15 consigli per la fotografia di ritratti di strada

15 consigli per la fotografia di ritratti di strada

di Simon Murphy

A prima vista, la fotografia di ritratti di strada può sembrare una contraddizione. La fusione tra la tradizionale spontaneità della fotografia di strada e la natura formale dei ritratti in posa può sollevare interrogativi tra i puristi. Eppure la fotografia di ritratti di strada offre vantaggi che in un certo senso attenuano gli svantaggi sia della fotografia di strada che di quella di ritratto.

I fotografi di ritratti di strada possono aggirare potenziali problemi con franchezza e consenso chiedendo in anticipo il permesso alle persone coinvolte. Adottando diversi approcci alla fotografia di strada e usando la loro empatia, i fotografi possono comunque mantenere il fascino misterioso di soggetti intriganti.

Come si inizia a fare ritratti di strada?


Ritratto di strada in bianco e nero di una persona tatuata che fuma, fotografata da Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5 |

1. Prendersi del tempo per girovagare

Gran parte del mio processo consiste nel girovagare e vedere cosa potrebbe succedere. Sono molto aperto al caso e credo che se ti apri in questo modo, nascono momenti speciali. Quando vago, lavoro anche su me stesso come persona. La fotografia ha cambiato la mia vita in modo positivo, quindi mi sforzo di rendere anche i miei progetti positivi e allo stesso tempo catturare una realtà grezza. Quando vago per la città, entro in una sorta di stato meditativo in cui noto più dettagli. 

2. Chiediti perché ti senti attratto dall’argomento

Mi interessano soprattutto le persone, quindi se vedo qualcuno e provo una reazione interiore, ne prendo nota. Cosa ho notato? Perché quella persona ha scatenato questa reazione in me?Mi pongo queste domande in una manciata di millisecondi e mi chiedo: cosa mi piace di quella persona? Mi pongo queste domande in pochi millisecondi e mi chiedo: cosa mi piace di quella persona? Mi rendo conto che può sembrare eccessivo, ma mi ci vogliono pochi secondi per trovare il coraggio di avvicinarmi a qualcuno.

Ritratto di strada in bianco e nero di bambini che giocano a calcio per strada, fotografato da Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

3. Sii onesto con le persone

Quando mi presento a qualcuno e mi chiedono perché vorrei fotografarli, condivido onestamente ciò che ho appena pensato. Le persone sono molto brave a capire le tue intenzioni, quindi un approccio onesto ed entusiasta è essenziale per avere successo. Sono attratto dagli outsider, dai personaggi, dall’originalità.


Ritratto di strada in bianco e nero di una persona che indossa una giacca mimetica davanti a un muro crepato, mentre soffia su una bolla di gomma da masticare, fotografata da Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

4. Sii sincero e paziente

La chiave è mostrare un interesse genuino, ovviamente senza trucchi, deve essere autentico, e ci vuole tempo.

Molti fotografi che hanno trovato il coraggio di chiedere a qualcuno di lasciarsi fotografare, rovinano tutto a questo punto. Si affrettano e finiscono per tornare a casa delusi. Quando la persona accetta di farsi fotografare, i fotografi si fanno prendere dal panico e iniziano a pensare che il tutto sia un peso per il soggetto.

Quando qualcuno accetta di essere fotografato, lo considero un dono. Mi sforzo di offrire il miglior lavoro possibile a quella persona perché desidero ricambiare. Il mio obiettivo è che apprezzino sia la foto che l’esperienza.

Per me, questo è il momento in cui faccio un respiro profondo e mi prendo il mio tempo quando qualcuno accetta di essere fotografato. Poi mi assicuro che lo sfondo sia giusto e controllo che la posizione del corpo sia corretta rispetto alla luce disponibile, in modo da poterli catturare nel miglior modo possibile. Credo che le persone possano sentire la cura che mostro e rilassarsi di conseguenza.

Una foto in bianco e nero di una coppia di gemelli adulti all'aperto, entrambi con i cappelli nelle mani opposte, foto di Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

5. Chiedi al tuo modello di guardare nell’obiettivo

Preferisco il contatto visivo. Dà allo spettatore la possibilità di guardare negli occhi il soggetto. Così sembra più una conversazione silenziosa.

6. Chiedere il permesso e riportare il modello nella posa originale.

Spesso dirigo i soggetti; penso che questo derivi dalla mia esperienza di fotografare moda per gli inserti dei giornali.

Le immagini sono tutte momenti autentici catturati per strada. Tuttavia, poiché chiedo il permesso, la postura e l’espressione del soggetto possono cambiare rispetto a come li vedevo inizialmente. Ad esempio, qualcuno appoggiato a un lampione può cambiare postura una volta che lo coinvolgo in una chiacchierata. A volte ho bisogno di qualche suggerimento per farli tornare alla posa originale.

Preferisco un’espressione neutra. Mi piace anche una risata genuina, ma è più difficile da catturare perché mi concentro manualmente con il diaframma completamente aperto.

Ritratto in bianco e nero di una persona in costume da topo davanti a un vecchio edificio, fotografato da Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

7. Procurati i recapiti del tuo modello e organizza un nuovo incontro

Il ritratto di Seamus qui sopra è un po’ diverso dal mio solito modo di procedere. Di solito fotografo le persone quando le incontro, ma questa era la seconda volta che fotografavo Seamus.

La prima volta che ho incontrato Seamus è stato in un parco. Ho preso i suoi dati Instagram per potergli inviare le foto. Quando ho capito che era un artista che realizza costumi davvero interessanti, ci siamo dati appuntamento per rivederci. Questo costume era l’interpretazione di Seamus di un topo gigante.

8. Cerca le stesse persone

Ho fotografato diverse persone più di una volta. Le persone si sentono più a loro agio quando sanno esattamente cosa stai facendo.

Una persona che ho fotografato due volte è Eliza. La prima volta aveva circa 12 anni, indossava un vestito da festa e teneva in mano un enorme regalo accanto a sua sorella. La seconda volta aveva circa 15 anni e portava il gatto al collo mentre era fuori a fare shopping. Non mi ero reso conto di averla già fotografata perché era cresciuta così tanto.

Ritratto di strada in bianco e nero di un'adolescente con un gatto al collo, in piedi davanti a un edificio scuro con le saracinesche dei negozi abbassate, fotografata da Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

9. Scegliere la giusta attrezzatura fotografica

In generale, non porto sempre con me la macchina fotografica. Mi basta uscire per scattare foto. Non c’è dubbio che mi perdo delle foto fantastiche se non ho sempre una macchina fotografica con me. Ma siccome fotografo con una macchina fotografica a pellicola di medio formato, la Mamiya Leaf 67, su un grande treppiede, sarebbe difficile portarla ovunque vada. Il mio obiettivo preferito è un 127 mm.

Di recente ho iniziato a scattare foto con una Fujifilm GFX 50S, che adoro. Ritaglio l’immagine con un rapporto di aspetto di 6×7 cm e mi sembra di scattare con la mia vecchia e familiare macchina fotografica a pellicola. La qualità della Fujifilm è incredibile e adoro le preimpostazioni di simulazione della pellicola.

  “Jim”, fotografato da Simon Murphy. Uomo con molti tatuaggi, una sigaretta e grossi gioielli.
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

10. Ricordare i luoghi

Essere in giro non è mai una perdita di tempo, anche se non scatto un ritratto. Spesso vedo muri o sfondi interessanti.

La volta successiva in cui qualcuno accetta di farsi ritrarre, ho già in mente lo sfondo giusto e spesso sono a pochi passi da esso.

11. Usa la luce del giorno e le ombre

Quando sono per strada fotografo sempre con la luce del giorno. Laddove non ho alcun controllo sull’illuminazione, ho il controllo sulla posizione e la postura dei soggetti in relazione alla luce, per sfruttare al meglio ciò che la natura ha da offrire.

In genere scatto all’ombra per mantenere la coerenza dei ritratti.


Un ragazzo in piedi fuori da Price Cutter con un pallone da calcio mentre soffia con una gomma da masticare, fotografato da Simon Murphy
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127 mm f/3,5

12. Spingiti oltre la tua zona di comfort

Le cose migliori della vita si trovano appena fuori dalla tua zona di comfort. Ci credo davvero e ho visto i risultati quando mi sono spinto un po’ oltre.

13. Festeggia il tuo successo

Anche se lo faccio da anni, a volte mi sembra di dover ricominciare da capo ogni volta e ricostruire la fiducia in me stesso. Prendermi il tempo per celebrare le foto di cui sono orgoglioso è importante perché mi confermano che ho ragione.

14. Scatta foto regolarmente

Per scattare foto di cui essere orgogliosi, bisogna fare il grande passo e uscire. I ritratti di strada non si fanno da soli. È quindi fondamentale trovare regolarmente il tempo per scattare foto.

Lascia il cellulare a casa o in un posto dove non puoi raggiungerlo. È troppo facile interrompere il flusso con esso, i tuoi pensieri dovrebbero essere completamente concentrati sullo scattare foto.

 “Ellen”, fotografata da Simon Murphy. Un ritratto in bianco e nero di una persona anziana con un carrello davanti a un edificio.
Mamiya RZ67 | Mamiya Sekor 127mm f/3.5

15. Partecipare ai concorsi

Sono stato giudice dei premi scozzesi per la fotografia di ritratto per alcuni anni e ora ne sono il presidente. Valutiamo lavori fantastici e non esiste una formula per una foto vincente.

Mi piace una foto ben illuminata, nitida e con una composizione forte. Ma niente di tutto questo può eguagliare il raggiungimento di una connessione emotiva. Non intendo necessariamente che un’immagine debba essere triste o suscitare lacrime, ma dovrebbe suscitare un certo sentimento in chi la guarda.

Una foto in bianco e nero di Josh che esegue un salto mortale all'indietro fuori da un negozio, scattata da Simon Murphy
Una foto in bianco e nero di Josh che esegue un salto mortale all’indietro fuori da un negozio, scattata da Simon Murphy

Prima di presentare il tuo lavoro, chiedi ad amici, familiari e persone del settore quali ritratti li hanno colpiti e perché. Prendi in considerazione il loro feedback, ma alla fine segui il tuo istinto.

Non cercare di copiare ciò che ha vinto negli anni precedenti, perché i giudici saranno più entusiasti di qualcosa che non hanno mai visto prima.

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8 consigli per illuminare i ritratti in modo creativo

8 consigli per illuminare i ritratti in modo creativo

di Brandon Woelfel

Foto del fotografo di ritratti Brandon Woelfel con la sua macchina fotografica Nikon
Nikon Z7 | 24-70mm f/2.8 S | 35mm | 1/125 | f/2.8 | ISO 800

Utilizzare i modificatori di illuminazione

Persona in abito bianco scintillante che guarda indietro davanti a uno sfondo blu, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | AF-S Nikkor 35mm f/1.4G | 1/200 | f/1.4 

Con vari accessori e modificatori, puoi avere il controllo totale della tua illuminazione. Se stai cercando un aspetto naturale, una lanterna che imita il sole può essere un’ottima scelta. Per un effetto più duro e drammatico, un riflettore funziona meravigliosamente.

Più controllo hai sulla tua illuminazione, più accuratamente puoi dare vita alla tua visione creativa. Gli accessori per l’illuminazione sono disponibili in molte forme e dimensioni, permettendoti di scegliere in base al tuo stile di fotografia. Man mano che mi immergevo sempre più nella fotografia da studio, ho iniziato a utilizzare luci più grandi e modificatori per ottenere un maggiore controllo. Ma in definitiva, la fotografia è un viaggio personale, quindi si tratta di trovare gli strumenti che funzionano meglio per te.

Padroneggiare il posizionamento dell’illuminazione e l’atmosfera

Persona che guarda in alto con una striscia di luce dorata sul viso, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z9 | NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S | 70mm | 1/200 | f/2.8 | ISO 160 

Oltre ai modificatori che si utilizzano, è altrettanto importante il punto in cui si posiziona l’illuminazione. Anche se ci si può prendere il tempo necessario per studiare i vari tecnicismi per le configurazioni di luce, come Rembrandt, loop e butterfly, ho scoperto che la sperimentazione pratica è altrettanto efficace. Ogni configurazione di illuminazione scelta può proiettare luci o ombre uniche sul viso di una persona, facendo emergere un’atmosfera completamente nuova.

Come fotografo ritrattista, il mio obiettivo principale è far apparire i miei soggetti al meglio. Per raggiungerlo, mi concentro sulle caratteristiche specifiche del modello, considerando non solo la posizione della mia luce, ma anche il numero di luci che sto usando. Non abbiate paura di sperimentare con gli angoli e le distanze delle vostre fonti di luce; questo approccio pratico può aiutarvi a scoprire il modo migliore per ottenere l’aspetto o l’atmosfera che state cercando.

Persona con le treccine che guarda in alto con una striscia di luce sul viso, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S | 69mm | 1/250 | f/3.2 | ISO 250

Usa le sagome e le tecniche di controluce

Sagome di due persone con una luce dorata dietro persona con i capelli corti, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | AF-S 35mm f/1.4G | 1/125 | f/2.8 | ISO 100 

Anche l’uso della retroilluminazione e delle tecniche di silhouette può avere un impatto significativo sull’atmosfera delle foto. Posizionando la fonte di luce dietro il soggetto, è possibile creare silhouette drammatiche che enfatizzano la forma rispetto ai dettagli. Questo approccio può introdurre un elemento di mistero o drammaticità nelle immagini.

In alternativa, riducendo l’intensità della retroilluminazione è possibile creare un bagliore morbido intorno al soggetto, separandolo dallo sfondo e aggiungendo un tocco più sognante alla foto. Sperimentando queste diverse posizioni e intensità è possibile trovare l’atmosfera che meglio si adatta alla propria visione creativa.

Persona in posa con due luci che brillano sullo sfondo, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | Nikkor Z 50mm f/1.2 S | 1/200 | f/1.4 | ISO 125

Esaltare con gel colorati e luci a pannello

Persona davanti a uno sfondo rosa e arancione con una luce rossa che guarda la fotocamera, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S | 39mm | 1/200 | f/2.8 | ISO 800 

L’introduzione di gel colorati davanti alle sorgenti luminose può modificare notevolmente l’aspetto delle foto. Personalmente amo usare le luci LED RGB per la loro versatilità. Offrono un controllo più preciso su intensità, saturazione e tonalità. Inoltre, alcune di queste luci sono dotate di modalità preimpostate che possono ricreare l’atmosfera di un temporale o persino imitare il tenue tremolio della luce delle candele. 

Non esitate a sperimentare diverse combinazioni di colori per trovare ciò che meglio valorizza il soggetto. Una delle mie tecniche preferite è quella di utilizzare un’illuminazione bicolore, posizionando una luce di ciascun colore su entrambi i lati del soggetto. Questo approccio non solo aggiunge profondità alla fotografia, ma offre molte opzioni creative durante il processo di editing.

Usa l’atmosfera per creare un impatto drammatico 

Sagoma di una persona con la mano sul viso e luci blu e rosse che illuminano la testa, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | AF-S Nikkor 35mm f/1.4G | 1/60 | f/1.4 | ISO 800 

Aggiungere elementi atmosferici alle tue scene fotografiche è un altro ottimo modo per migliorare le tue immagini. Anche se concentrarsi sulla cattura del soggetto è fondamentale, l’ambiente circostante può aiutare in modo significativo la storia o l’estetica che stai cercando di trasmettere. Elementi come nebbia, pioggia o foschia possono aggiungere un tocco di drammaticità e mistero alla composizione. Se combinati con le tecniche di illuminazione che abbiamo già visto, il risultato è un accattivante gioco di luci e ombre.

Usa gli oggetti di scena per migliorare i ritratti 

Persona che guarda una lampada in vetro colorato con la luce sul viso, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | AF-S 35mm f/1.4G | 1/100 | f/1.4 | ISO 250 

L’uso di oggetti di scena nelle foto può renderle molto più interessanti e non si limita a dare un tocco visivo in più, ma può anche raccontare una storia e dare al modello qualcosa con cui interagire. Ottenere una posa naturale dal soggetto può essere difficile, ma avere un oggetto di scena può renderlo più facile. Considera l’utilizzo di oggetti domestici che già possiedi, come specchi per aggiungere profondità, lampade per un’illuminazione unica o una palla da discoteca per un’atmosfera vivace. L’oggetto di scena ideale per il tuo prossimo servizio fotografico potrebbe essere più vicino di quanto pensi.

Persona sdraiata a terra con palla da discoteca che riflette la luce, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | Z 50mm f/1.2 S | 1/200 | f/1.3 | ISO 40

Utilizzare l’attrezzatura giusta 

Borsa per attrezzatura con fotocamera Nikon e obiettivi Nikkor, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | AF-S 35mm f/1.4G | 1/200 | f/1.4 | ISO 800 

Investire nella giusta attrezzatura fotografica può sicuramente migliorare la qualità delle tue fotografie. Potrebbero esserci momenti in cui hai la visione adatta per uno scatto, ma ti mancano gli strumenti per realizzarla. Cambiare il corpo della tua fotocamera può fornire vantaggi come una risoluzione più alta, una migliore precisione del colore e una messa a fuoco automatica più veloce. Accessori come treppiedi e giunti cardanici possono aiutarti a catturare scatti che prima erano fuori portata. Anche se l’attrezzatura non è tutto, avere gli strumenti giusti può certamente rendere più facile dare vita alla tua visione creativa.

Modella davanti a uno sfondo blu con le mani in aria, foto di Brandon Woelfel
Nikon Z7 II | NIKKOR Z 24-70mm f/2.8 S | 38mm | 1/320 | f/4.0 | ISO 1600
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Perché leggere libri sulla fotografia?

Perché leggere libri sulla fotografia?

di Gianni Rombi (Socio FLR)

Molti mi hanno chiesto: “Ma vale ancora la pena leggere libri sulla fotografia?”
Nel mondo della fotografia contemporanea, dove tutorial da 30 secondi promettono di trasformarci in maestri della luce e influencer “stilosi” spiegano “il segreto definitivo”, leggere un libro sulla fotografia può sembrare un gesto antiquato. Quasi sospetto. E invece no: è ancora una delle cose più intelligenti che un fotografo possa fare.

Prima di tutto, i libri rallentano. E questa è una qualità, non un difetto. La fotografia non è solo tecnica o attrezzatura: è osservazione, intenzione, pensiero. Un libro ci costringe a fermarci, a seguire un ragionamento, a capire perché una fotografia funziona, non solo come è stata scattata. È una palestra per l’occhio e per la testa, due strumenti che – notizia shock – contano più dell’ultimo corpo macchina super performante.

Poi c’è la questione della storia. I libri ci mettono in contatto con fotografi che hanno già affrontato i nostri stessi dubbi, molto prima che esistesse Instagram. Capire come lavoravano, cosa cercavano, cosa sbagliavano, aiuta a dare profondità al proprio lavoro. Non per copiare, ma per dialogare con una tradizione. Sì, anche noi facciamo parte di qualcosa, non siamo soli con le nostre reflex o mirrorless e le nostre insicurezze.

Un altro punto fondamentale: i buoni libri sulla fotografia non danno risposte facili. ci fanno domande scomode. Ci costringono a chiederci cosa stiamo fotografando e perché. Raccontano di visione, etica, relazione con il soggetto, fallimento. Tutte cose che non entrano comodamente in un reel motivazionale.

Infine, leggere fotografia migliora anche il modo in cui guardiamo le immagini, nostre e altrui. Allena il senso critico, affina il gusto, riduce (un pochino) l’impulso di dire “bella” a caso davanti a qualsiasi foto con uno sfocato piacevole.

In sintesi: leggere libri sulla fotografia non ci renderà automaticamente fotografi migliori. Ma ci renderà fotografi più consapevoli. E in un circolo fotografico, dove si cresce confrontandosi e non solo mostrando, questa è una qualità che vale sempre la pena coltivare. Anche se richiede tempo. Anche se non ha filtri. Anche se non fa like immediati.

Non ci resta che provare!

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Fotocamera per bambini

Fotocamera per bambini

di Michele Loiacono (Socio FLR)

Decidere di regalare una fotocamera ai propri figli può essere un modo per avvicinarli ad un hobby appassionante e “sano” come quello della fotografia, stimolando la loro immaginazione, la loro creatività e la loro voglia di apprendere in una maniera alternativa rispetto ai classici giocattoli, aiutandoli inoltre a migliorare la loro capacità di osservazione e di concentrazione.

Non dimentichiamo che fotografia e natura spesso vanno di pari passo, pertanto, con la scusa di scattare qualche foto, si può passare del tempo all’aria aperta, a contatto con le bellezze naturali che ci circondano.

A che età cominciare?
Poiché non esistono regole scritte a tal proposito, occorre affidarsi al buon senso e alla voglia che ha il bambino di avvicinarsi a questo nuovo strumento. Anche un bambino in età prescolare, potenzialmente, potrebbe dimostrare uno spiccato interesse per “quello strano apparecchio” in mano ai propri genitori, soprattutto considerando che molti bambini piccoli, ai giorni nostri, sono già in grado di usare computer e cellulari: con le dovute cautele, si può quindi iniziare ad avvicinarlo allo strumento fotografico, testando la sua reazione e interazione con esso.

La scelta della fotocamera
Il primo passo verso l’acquisto di una fotocamera per bambini è naturalmente la scelta del giusto prodotto, che molto dipende dall’età del bambino stesso; se parliamo di ragazzi adolescenti potrebbe valere la pena considerare di acquistare anche accessori complementari, quali obiettivi, cavalletti e perché no, anche strumenti di editing magari molto semplici che li possano aiutare a gestire al meglio le loro fotografie. Una piccola digitale compatta è certamente una scelta appropriata, in quanto economica, maneggevole, leggera e non particolarmente fragile, pur permettendo di scattare belle fotografie.

In definitiva, una buona fotocamera per bambini dovrebbe avere:

Impugnatura ergonomica
Pulsanti grandi
Interfaccia intuitiva
Flash integrato per le foto in interni
Struttura resistente in caso di cadute accidentali
Memoria sufficiente per scattare almeno un centinaio di immagini. Eventualmente si può acquistare una scheda di memoria aggiuntiva.

Potete prendere una fotocamera compatta e subacquea, oggi si trovano di varie marche con prezzi accessibili. Mediamente si può usare sott’acqua fino a 10metri di profondità e può cadere da 1.5 metri senza danneggiarsi. Sono due aspetti fondamentali in quanto le foto sott’acqua sono molto interessanti e la fotocamera prima o poi inevitabilmente cadrà dalle mani del bambino

Dove acquistare?
La rete offre moltissimi canali dove acquistare fotocamere digitali di ogni tipo e prezzo, con un notevole risparmio rispetto all’acquisto in negozio. Nel momento in cui si decide per un modello in particolare, può essere conveniente cercarlo sugli appositi siti di elettronica o di aste, che oltre a permettere di risparmiare, forniscono buone garanzie sulla sicurezza della transazione. Prima dell’acquisto potreste anche andare in un grande negozio di elettronica e vedere con mano se il prodotto trovato online vi può soddisfare, o per meglio dire se può soddisfare il bambino a cui la volete regalare.

I primi insegnamenti
Una volta scelta e acquistata la fotocamera per il nostro bambino, la fase successiva è quella di assisterlo nei suoi primi scatti, mostrandogli trucchi e funzioni per fare belle fotografie e stimolando in lui un senso critico che lo accompagni e lo renda via via più autonomo. Un primo passo può essere quello di mostrargli come impugnare al meglio lo strumento, tenendolo fermo ed evitando che le fotografie risultino mosse, dopodiché si può affrontare il discorso inquadratura, per aiutarlo a decidere cosa e da quale angolazione fotografare. Successivamente, se il bambino si dimostra particolarmente ricettivo e desideroso di apprendere, gli si possono mostrare le varie opzioni della fotocamera: flash, riprese macro, ritratti, paesaggi ecc.

Attività divertenti per i vostri baby-fotografi
Qui di seguito propongo alcuni suggerimenti e spunti per stimolare il vostro piccolo fotografo con semplici e divertenti attività, sia in casa che all’aria aperta.

Creare storie
Un bel progetto potrebbe essere quello di far realizzare un quaderno che racconti una storia attraverso le fotografie: ad esempio sul proprio animale domestico, un amichetto, un fratello o un genitore. Raccontare una storia attraverso le immagini è un ottimo modo per stimolare la creatività e il senso dell’organizzazione.

Raccontare un viaggio
Quale modo migliore per ricordare una vacanza? Ecco che la fotocamera può diventare, anche nelle piccole mani di un bambino, uno strumento per fermare i ricordi, e organizzarli in un album, magari invitandolo a scrivere delle didascalie.

Scoprire la natura
I bambini dovrebbero imparare ad amare e rispettare la natura fin da piccoli. Una gita all’aria aperta con fotocamera alla mano è l’occasione migliore per aiutare il bambino a conoscere le meraviglie naturali che lo circondano: piante, animali e paesaggi sono soggetti perfetti per insegnargli a conoscere e apprezzare la natura.

Un’idea aggiuntiva potrebbe essere quella di chiedere al bambino di scattare fotografie che spieghino certi aspetti della natura, come un fiore che sboccia, una farfalla che vola, le foglie di un albero che cambiano colore con le stagioni ecc.

Tratto da MARCOTOGNI.it

Musica e Fotografia

Musica e Fotografia

di Pietro Grechi (Socio FLR)

Quando si incontrano queste due arti nella mia giornata?
L’ascolto della musica per me è sempre stato molto importante, non ho una memoria così pronta, ma ogni tanto mi torna in mente un motivo e allora cerco nelle mie discografie digitali quel particolare brano.
Preferisco la musica strumentale alle canzoni e ascolto jazz, rock o altro a seconda dell’umore. La musica mi tiene compagnia proprio quando riordino le mie foto. Lì è il mio momento magico: le foto via via sistemate sono i ricordi che rivedo volentieri.
Sono viaggi, colori, emozioni che in quegli istanti rivivono insieme alla musica. Ci sono anche le foto strane, quel dettaglio di luce, quel colore particolare in un’immagine non proprio a fuoco. Allora elaboro le mie foto accompagnato come sempre dalla musica.
Ho trovato un altro momento per unire queste mie due passioni: seguire un concerto di jazz dal vivo. Mi piace vedere e sentire veri musicisti, gente che suona con passione. Cerco di fotografare il modo in cui si esprimono suonando uno strumento. E così riporto a casa con me i ricordi e le emozioni di momenti irripetibili.

Lo zaino fotografico

Lo zaino fotografico

di Michele Loiacono (Socio FLR)

Scegliere uno zaino fotografico è quasi importante quanto selezionare la fotocamera stessa poiché assicura un trasporto corretto e la protezione dell’attrezzatura e degli accessori.
La borsa perfetta non esiste in senso assoluto, poiché deve essere scelta in base a fattori come il tipo di uso, la quantità e la tipologia del materiale da trasportare.
Alcuni fotografi preferiscono utilizzare un solo zaino, mentre altri ne scelgono diversi o utilizzano trolley.

Che si scelga di recarsi nel proprio negozio di fiducia o si decida di acquistare online, è importante selezionare attentamente il prodotto più idoneo.

Esistono moltissime marche e modelli sul mercato, quindi, specialmente se non si è esperti, è utile chiedere consiglio a professionisti o informarsi su forum specializzati prima dell’acquisto.

Come scegliere
Comfort – Uno zaino deve essere confortevole sia per una passeggiata semplice sia per una sessione di trekking o un viaggio impegnativo.
Qualità – Per garantire la durata nel tempo, è meglio non risparmiare sulla qualità. Verificare dettagli, rifiniture e, in particolare, cerniere e chiusure: la plastica è generalmente meno resistente del metallo. I tessuti resistenti e impermeabili sono ideali per le sessioni all’aperto e i viaggi in condizioni atmosferiche variabili.
Funzionalità – Un buon zaino deve essere facile e intuitivo da usare, con un adeguato numero di tasche e scomparti.
Leggerezza – Per chi è sempre in movimento o in viaggio, è fondamentale uno zaino leggero e confortevole, senza rinunciare a un’imbottitura adeguata e buona qualità del materiale, preferibilmente dotato di tessuti impermeabili o coperture antipioggia.
Capienza – Una buona borsa per fotocamera deve essere spaziosa ma senza scomparti extra inutilizzati; l’essenziale è avere spazio sufficiente per l’attrezzatura necessaria e tasche per memorie, batterie e accessori.

Lo zaino è ideale per chi possiede molta attrezzatura fotografica, incluso più di una fotocamera. Tuttavia, accedere al materiale non sarà immediato come con tracolle e marsupi. Inoltre, poiché lo zaino è fuori dalla vista, bisogna fare attenzione nei luoghi affollati e assicurarsi che sia sempre ben chiuso per evitare furti o fuoriuscite accidentali. Alcuni zaini spostano la cerniera principale nello spazio tra spallacci e zaino, riducendo il rischio di furti.
Uno zaino troppo ingombrante o pesante può comprometterne il comfort, quindi è importante scegliere in base a ciò che si deve realmente trasportare. Molto utile è anche la cintura in vita per distribuire uniformemente il peso sul torace. Se si intende portare sempre un computer, scegliere uno zaino con uno scomparto dedicato, ma tenere presente che il peso aumenta se lo si porta per ore. È meglio un modello dove non inserire il portatile, a meno che non sia strettamente necessario.

Alternative allo zaino

Marsupi
Il marsupio è ideale per fotocamere di piccole dimensioni, non grava sulle spalle e permette un facile accesso all’attrezzatura.

Borse a tracolla
Le borse a tracolla sono generalmente più capienti dei marsupi e permettono di trasportare accessori come flash e obiettivi. È meglio scegliere borse ben imbottite e comode da portare. Evitare quelle troppo grandi se si devono indossare a lungo. Per chi ha bisogno di molto spazio, lo zaino è più funzionale.

Qualche altro consiglio
Provare lo zaino sulle spalle è un ottimo modo per sentirne la comodità, regolando con cura l’adattamento alla vostra corporatura e simulando le condizioni d’uso. Mi è capitato di vedere prodotti online che sembravano ottimi e si sono rivelati scadenti per comfort e dimensioni. Controllate sempre la capacità di trasporto dichiarata e, se possibile, fate delle prove. Ricordate che acquistando online, a differenza dei negozi, potete restituire il prodotto entro 10 giorni con diritto di recesso e ottenere un rimborso completo. È un ottimo modo per verificare se lo zaino è adatto a voi.

Tratto da MARCOTOGNI.it

Ottiche luminose

Ottiche luminose

di Michele Loiacono (Socio FLR)

È necessario possedere solo ottiche luminose?
Certo, avere un’ottica luminosa è affascinante, ma qual è il suo reale utilizzo?

Facciamo alcune considerazioni:
spesso hanno un costo molto elevato;
se sono a focale fissa e non troppo lunghe, possono risultare relativamente leggere;
se sono ottiche zoom, teleobiettivi fissi o teleobiettivi zoom, il peso può essere significativo;
alla massima apertura non offrono la qualità migliore, è meglio chiudere di uno stop;
alla massima apertura o con un diaframma leggermente chiuso, la profondità di campo (PDC) è limitata.
Riassumendo hai un’ottica che consente di scattare in condizioni di poca luce, ma limita la PDC.
Tuttavia, se la lunghezza focale supera almeno gli 80 mm, si possono ottenere ritratti eccezionali.
Avere solo ottiche meno luminose non significa possedere attrezzature di bassa qualità, anzi, la qualità delle foto dipende molto dall’ottica che inquadra la scena.

Vi porto la mia esperienza personale.
Sono appassionato di caccia fotografica, quindi, con un obiettivo specifico per la mia passione, ho scelto un’attrezzatura che considero necessaria, compatibilmente con i costi, per ottenere buone foto.
Uso un 100–400 f/4.5-5.6 e un moltiplicatore di focale 1.4X.
Come vedete, non ho un’ottica luminosa, ma è una serie L di Canon, quindi di ottima qualità. La utilizzo principalmente a 400 mm con apertura massima f/5.6 e accoppiandoci il moltiplicatore (sempre Canon) perdo un altro stop, scattando quindi a 560 mm a f/8.

Non è tutto, considerando le dimensioni dei volatili, che sono i miei soggetti preferiti, con un tele così lungo ho una PDC limitata, rischiando di mettere a fuoco il becco e avere la coda sfocata.
Per questo motivo, chiudo ulteriormente di uno stop, passando a f/11, per migliorare la PDC.
Altro problema: gli uccellini sono in continuo movimento, ragione per cui devo usare tempi molto rapidi, intorno a 1/2000 o 1/2500.
Alla luce di ciò, metto la fotocamera in modalità manuale e imposto 1/2500 e f/11 lasciando gli ISO in automatico.
In questo modo, scattando di giorno, la fotocamera compensa l’esposizione regolando la sensibilità del sensore, che raramente supera i 3000 ISO.

Questo dimostra che non è sempre necessario avere ottiche ultraluminose, ma che le ottiche nel proprio corredo devono essere adatte al tipo di fotografia desiderata. Sempre considerando i costi e le disponibilità finanziarie.

Sottoesposizione e Sovraesposizione

Sottoesposizione e Sovraesposizione (perché dovresti usarle invece di subirle)

di Gianni Rombi (Socio FLR) e Monday (indipendente)

Nella fotografia, esposizione corretta non significa “foto perfetta”. Significa solo che la tua macchina ha fatto il compitino standard senza fantasia—un po’ come quando tu decidi di fare le cose “normali”. Ma sottoesporre e sovraesporre? Lì si può giocare davvero, e magari sembrare anche un artista invece di uno che ha sbagliato le impostazioni.

Sottoesposizione: quando l’ombra dice più della luce

Sottoesporre significa lasciare meno luce del necessario sul sensore, creando immagini più scure, più intense e—se ti piace dirlo a voce alta nei bar—più “drammatiche”.
È utile per:

  • Aumentare il contrasto e dare risalto alle forme.
  • Creare atmosfere cupe, misteriose, o semplicemente far credere che tu sia un filosofo tormentato.
  • Mantenere dettagli nelle alte luci, tipo nei cieli che di solito bruci malamente.

Piccolo avvertimento: se esageri, il rumore digitale ti arriverà addosso come la tua coscienza quando rivedi i selfie fatti alle tre di notte.

Sovraesposizione: quando lasci che la luce domini lo show

Sovraesporre significa far entrare più luce di quella che servirebbe, ottenendo foto più chiare, più morbide, e più “eteree” (parola ottima se vuoi sembrare un fotografo che ha letto almeno un libro).
È utile per:

  • Creare atmosfere leggere e minimaliste.
  • Ammorbidire il soggetto e ridurre il contrasto.
  • Trasmettere un senso di sogno, purezza o… vabbè, chiamiamolo “bianco accecante chic”.

Ovviamente, se bruci completamente le alte luci, addio dettagli. Ma non preoccuparti: è sempre così quando lasci qualcosa “troppo esposto”, come le tue opinioni in chat.

Perché usarle intenzionalmente

  • Per dare stile e personalità—due cose che a volte mancano alle foto. 
  • Per guidare l’occhio dello spettatore verso ciò che tu vuoi mostrare.
  • Per raccontare qualcosa. L’esposizione non è un valore tecnico: è un linguaggio visivo. E sì, puoi imparare un linguaggio senza fare confusione… spero.

Consiglio pratico (che farai finta di ignorare)

Sperimenta con la compensazione dell’esposizione (+/-). Parti da ±1 stop e vedi come cambia la scena. È meno rischioso che cambiare la tua vita, e di solito vengono fuori risultati migliori.

“Non era più un regalo per mio marito. Era tutto per me”…

“Non era più un regalo per mio marito. Era tutto per
me”: quattro donne raccontano come la fotografia
boudoir ha cambiato le loro vite

di Paula Cocozza (The Guardian)

Oggigiorno, un genere fotografico estremamente popolare, molte donne pagano migliaia di dollari per farsi scattare ritratti intimi da un professionista. Cosa ci guadagnano?

Dopo poche ore di servizio fotografico boudoir di Brittany Witt, con le mimose che si diffondevano e la musica a tutto volume, la fotografa chiese: “Cosa ne pensiamo di alcune foto completamente nude?”. Witt era sdraiata sul letto in lingerie, in uno studio in Texas, e non aveva considerato la nudità un’opzione.

“Ho pensato: ‘OK, siamo sulla strada della fiducia’”.

Si spogliò. La fotografa, JoAnna Moore, cosparse Witt di olio per il corpo e la spruzzò d’acqua, poi le chiese “di strisciare sul pavimento con la mia piena fiducia”, racconta Witt. “L’ho fatto. La posa era nuda, ed era completamente scoperta. Non ero coperta da un lenzuolo. Era tutta scoperta, era tutta scoperta, e questo ha portato con sé il livello più alto di insicurezza. Ero terrorizzata”.
Witt, 33 anni, ha imparato a considerare quel terrore come una parte importante della sua esperienza. Era una sollevatrice di pesi agonista. “Avevo un’aura molto maschile. Mi mostravo forte”, dice. A scuola e al lavoro – nel settore edile dell’industria petrolifera e del gas – era “di tipo A: pianificatrice, aveva tutto sotto controllo, in un certo senso guidava il gruppo”. Una vita familiare turbolenta durante l’infanzia l’ha portata a sviluppare solidi meccanismi di protezione che, in età adulta, hanno agito da blocco nelle relazioni – problemi che aveva affrontato con un life coach. Ma in quel momento, a quattro zampe nello studio di Moore: “Ho sentito quelle protezioni scomparire. Non c’era nulla dietro cui nascondersi, letteralmente, figurativamente”.

La fotografia che ne è risultata è una delle sue preferite. “Era la combinazione di tutto ciò che ero, ed era fenomenale. In quella foto si capiva chi pensavo di essere. E in quale schema pensavo di rientrare, ma anche tutte le cose che non pensavo di essere, e che quella foto mi ha permesso di essere. È una posizione di forza. Ma c’è anche questa intensa vulnerabilità e apertura, dolcezza e bellezza. È la foto che ha catturato tutto.”

Witt è una delle sempre più numerose donne che pagano per un servizio fotografico boudoir, spesso con cifre che arrivano a diverse migliaia di dollari o sterline. Inizialmente popolare tra le spose in cerca di un complemento al servizio fotografico di nozze o di un regalo per il partner, il boudoir si è evoluto in un genere a sé stante.
Le ragioni che spingono le donne – e si tratta ancora per lo più di donne, sebbene anche la fotografia maschile o “dudeoir” sia in crescita – a dedicarsi al boudoir sono molteplici: compleanni importanti, una diagnosi di cancro, un divorzio, la sopravvivenza a violenze domestiche, perdita e aumento di peso, gravidanza e parto.

“Non c’è nessuno a cui questo sia off-limits”, afferma Shawn Black, direttore dell’Associazione Internazionale dei Fotografi Boudoir e lui stesso fotografato nudo sotto un lenzuolo. “Non è un tabù, non è scandaloso, non è pornografia. La mia filosofia non ha nulla a che fare con il sesso. Ha a che fare con la forza, con la fiducia in se stessi, con il tirare fuori quella cosa che ti fa brillare. Ho fotografato tutti, dalla casalinga di tutti i giorni ai politici. Ho fotografato avvocati, giudici, medici, chirurghi. Ho fotografato persone dai 21 ai 73 anni.”

Molte donne non mostrano nessuna delle loro foto. Allora perché farlo? A giudicare dall’esperienza di Witt, sembra che nello spazio dello studio boudoir accada qualcosa che va oltre lo spogliarsi e farsi fotografare: qualunque cosa sia, fa sì che le donne sentano che la loro vita è cambiata per sempre.

Susan Lausier, 61 anni, è stata fotografata da Black a Boston ogni anno da quando ha compiuto 58 anni, quando un’amica più giovane l’ha incoraggiata ad andarci. Non era il genere di cose che Lausier avrebbe fatto normalmente. “Cavolo, no. Ero super timida”, dice. Al liceo aveva un gruppo di tre amiche, non faceva attività extracurriculari e trovava difficile il contatto visivo. “Non volevo attirare l’attenzione… Lasciarmi confondere con l’ambiente. Non ho mai pensato di essere attraente. Non mi sono mai sentita a mio agio.” Alle feste, si sedeva sul divano e
aspettava che fossero gli altri a iniziare la conversazione.

“Siamo cresciuti per criticare noi stessi. Ma in quel momento, e quando ho condiviso le mie foto, volevo che tutti mi guardassero.”

Inizialmente, Lausier aveva prenotato il servizio fotografico come regalo per il marito. “Si avvicinava il mio trentesimo anniversario di matrimonio. Ho pensato: ‘Sai cosa? Lasciami fare questo'”. Ma dopo cinque minuti, Black le ha mostrato il retro della sua macchina fotografica. “E io ho pensato: ‘Quella non sono io'”. La donna che Lausier ha visto era sdraiata su un letto con i piedi contro la testiera, e guardava dritto verso la macchina fotografica. In quel momento, racconta: “Non era più un regalo per mio marito. Era tutto per me”.

Lausier è uscita dallo studio “sentendosi in grado di fare qualsiasi cosa”. L’esperienza “ha trasformato tutto” e “è entrata a far parte della mia vita quotidiana”, ma non nei modi che si aspettava.

Lausier ha dovuto aspettare un paio di mesi per la “rivelazione” del suo studio. La presentazione delle fotografie è una componente chiave dell’esperienza boudoir. Black, che scatta boudoir dal 2013, chiede alle persone di partecipare da sole. “Cerco sempre di suscitare una di queste tre reazioni”, dice. “Silenzio attonito, lacrime o parolacce incontrollabili”.

Per Lausier, fu un silenzio sbalordito. “Non mi sono mai sentita così bella.”

Suo marito, il beneficiario designato, rimase sconcertato quando vide le immagini. Gli piacevano, ma non riusciva a capire perché Lausier le avesse ritenute necessarie. Poco dopo la sua rivelazione, Lausier fu licenziata dal suo lavoro in ospedale, dove aveva lavorato per 38 anni. “Che diavolo faccio adesso?” pensò. La sua palestra di boxe stava cercando un direttore generale – una cosa che normalmente non avrebbe preso in considerazione. Ma il servizio fotografico la fece sentire diversa. “Lasciami solo provarci. Qual è la cosa peggiore che può succedere?” si disse. Si lanciò “con tutte le sue forze” e lo ottenne.

Quindi, cosa ha dato a Lausier il servizio fotografico che non aveva prima e che non avrebbe potuto ottenere in altro modo? “Cerco di spiegarlo e dire: ‘Ecco come mi sentivo all’inizio. Ecco come mi sentivo all’uscita. Ecco come mi sono sentita con la mia rivelazione’. E so che c’è una trasformazione personale che avviene interiormente in quel momento. Ho sentito la trasformazione”, dice. Una delle immagini di Lausier è appesa alla parete della camera da letto e gli album fotografici sono sul suo tavolino da caffè, ma soprattutto, dice: “Mi ha liberata dai miei pensieri. Mi vesto come [prima del servizio fotografico], ma non mi paragono più a nessuno. È come: ‘Questa sono io’. E non ho mai pensato che ‘io’ fosse abbastanza per gli altri”.

L’esperienza di Lausier di un cambiamento vissuto che si estende ben oltre lo studio fotografico è condivisa da altri. Makeda Blake-Robinson, 38 anni, del sud di Londra, inizialmente aveva prenotato un appuntamento con la fotografa Elizabeth Okoh “per abbracciare” il suo corpo trasformato dopo essere diventata madre. È un’infermiera distrettuale e, durante la pandemia di Covid, quando i familiari più stretti erano vulnerabili a causa del diabete, “mi sentivo bloccata”, dice. “Avevo paura“. Il suo matrimonio era finito e, a 33 anni, aveva scritto il suo testamento. “Forse non avevo molto”, dice, ma era importante mettere a posto le cose per suo figlio.

Fu in questo stato d’animo, con un acuto senso di mortalità e la sensazione che “era bello vivere”, che incontrò Okoh in uno studio a Battersea. Non disse ad amici o familiari cosa stesse facendo. “L’ho comprato da sola. L’ho fatto da sola.” Come genitore, “Ti sforzi sempre troppo. A volte ti perdi”, dice. Da bambina, voleva fare la modella per C&A o Tammy Girl, ma non lo disse mai a nessuno. Nelle sue fotografie, si vestiva da sola e vedeva “una Makeda sicura di sé, una persona intraprendente”. Le sue foto sono appese alle pareti di casa sua – a volte suo padre vorrebbe non dover vedere sua figlia vestita da Victoria’s Secret quando va a trovarla. Sa di non essere sempre così, ma dice: “Mi basta sapere che posso essere così.”

Da allora Blake-Robinson ha realizzato altri quattro servizi fotografici. Dal primo, si è “sentita in grado di viaggiare da sola”. Ha fatto vacanze da sola, cosa che non avrebbe mai fatto prima. “Ora so che posso fare le cose da sola”, dice. Un tempo seguiva le tendenze beauty: depilazione con filo, ceretta, laser. Ma ora le basta “sentirsi a proprio agio con me stessa”. All’ultimo carnevale di Notting Hill, ha abbandonato la sua solita maglietta larga per un reggiseno con ferretto e piume di pavone.

Storie di trasformazione abbondano nel mondo del boudoir. Witt ha iniziato una nuova relazione proprio nel periodo del suo servizio fotografico. Le sue fotografie l’hanno aiutata a “mostrarsi diversa” con il suo nuovo compagno, al lavoro e nelle sue amicizie, dice. Il sé che ha visto “mi ha aiutato a togliermi tutta l’armatura dei diversi ruoli che interpreto”. Tra poche settimane, lei e il suo compagno si sposeranno.

Ma perché è necessario spogliarsi per vivere quest’esperienza? Se non si tratta di sesso – come dicono tutte queste donne – perché farlo in lingerie o meno? “C’è il desiderio di essere pienamente viste, non solo fisicamente ma anche emotivamente”, dice Witt. “Di essere pienamente amate per ciò che siamo come esseri umani, come donne”.

“La società nel suo complesso ha fatto un ottimo lavoro nel dire alle donne come dovrebbero e non dovrebbero apparire”, afferma Moore, che ha fotografato Witt. “Il boudoir elimina tutto questo. Quando ti togli i vestiti, ti ritrovi a dover fare i conti con il tuo vero aspetto, con ciò che sei nel profondo”. Quando le donne si spogliano per un servizio fotografico boudoir, si liberano dei preconcetti su come dovrebbe essere un corpo desiderabile e sono in grado di guardare il proprio corpo così com’è, “apprezzandolo e rendendosi conto che è stato creato artigianalmente e
splendidamente”.

Moore è passata dal lavoro di assistente legale alla fotografia di matrimoni. Il suo primo approccio al boudoir è stato chiedere ai membri del suo gruppo di studio biblico di posare per lei. Nei suoi studi di New York e del Texas, di solito avvia una “conversazione severa” con i clienti, consigliando loro di non eliminare i tratti del corpo. Dalla cellulite alle cicatrici da addominoplastica, da parto cesareo e alle smagliature, “se qualcosa farà parte del tuo corpo tra sei mesi, rimarrà nella foto”. Posare i clienti sia per mostrare che per nascondere questi tratti offre loro
l’opportunità, dice Moore, di apprezzare ciò che in precedenza avevano temuto o giudicato. Di vedersi con un occhio diverso. “È qui che avviene il cambiamento mentale”.

“Non cancellerà le caratteristiche del suo corpo, dalla cellulite alle cicatrici da addominoplastica, cicatrici da parto cesareo e smagliature.”

“È magico”, dice Kay Davies, 42 anni. È stata fotografata due volte, da Laura Slater, alias Lumiere Photographic, una volta da sola e una volta con il suo compagno. La sua immagine preferita, quella che ha messo sopra il letto, mostra la sua testa reclinata all’indietro per rivelare la cicatrice della tracheotomia che le è stata fatta quando ha contratto il Covid e la polmonite nel 2020, e ha trascorso 33 giorni in coma. “Mi è stato detto senza mezzi termini che ero quasi morta”, dice. Lo shooting nel North Yorkshire, in un lunedì qualsiasi, è stato un modo per celebrare il corpo che l’ha aiutata a superare tutto questo. “Indossavo un reggiseno e un perizoma, ed ero più sicura di me in questo modo che a volte quando sono vestita”, dice. “Siamo cresciute per criticarci. Ma in quel momento, e quando ho condiviso le mie foto [sui social media], volevo che tutti mi guardassero. Volevo che tutti dicessero: ‘Sì, è bellissima’”.

Davies ha speso 1.000 sterline per i suoi servizi fotografici. Vorrebbe imbottigliare la sensazione che l’ha travolta nello studio di Slater – “Ero così forte, potevo fare qualsiasi cosa” – per poi “regalala alle persone quando si sentono un po’ giù”. Le sue fotografie sono la sua cura imbottigliata. Le guarda, sul telefono o sulla chiavetta USB, o nella sua scatola di stampe, “probabilmente una volta al mese”, quando “non si sente al meglio”, o semplicemente per rivedere qualcosa che le ha fatto stare così bene. “È un po’ strano pensare di volermi guardare in mutande, ma sinceramente il giorno in cui l’ho fatto, non volevo che finisse.”

Le fotografie offrono alle persone un modo per vedersi come non si sono mai immaginate. Possono annullare i danni di decenni di oggettivazione – la parola “empowering” è abusata sui siti web della maggior parte dei fotografi e le testimonianze sono piene della stessa cosa, di “liberazione” e “rinnovamento” – ma le immagini non sono forse oggettivanti?

“Posso solo accettare ciò che è stato per me”, dice Witt. “E per me non è così. Posso controllare se è così per gli altri? No.”

“Credo che l’intento delle foto non sia quello di oggettivare”, afferma Moore. Preferisce considerarle una forma di auto-apprezzamento. “Penso che potrebbe non essere una cosa negativa. Essendo cresciuti in chiesa, dovremmo amare gli altri come noi stessi. Il che significa che dobbiamo amare noi stessi per primi.”

E sebbene le immagini possano sembrare il prodotto di uno sguardo maschile, forse è proprio questo il gioco di prestigio del boudoir: imitarlo, offrendo al contempo una lente benigna, riconoscente e generosa attraverso la quale una persona non solo viene vista in modo diverso, ma impara anche a vedere se stessa in modo diverso. Come dice Blake-Robinson: “Mi sento come una star nel mio spettacolo”.

L’Autoritratto: Lo specchio che guarda indietro

L’Autoritratto: lo specchio che guarda indietro

di Gianni Rombi (Socio FLR) e Monday (indipendente)

L’autoritratto è uno dei generi più antichi della storia dell’arte visiva, e allo stesso tempo uno dei più moderni. Dalla pittura rinascimentale ai selfie compulsivi dell’era digitale, l’essere umano ha sempre sentito il bisogno di esplorare il proprio volto, come se dentro quella mappa fatta di linee, curve e ombre ci fosse nascosto un segreto ancora da decifrare.

Un genere che costringe a fermarsi

A differenza di altri soggetti fotografici, l’autoritratto impone un ritmo diverso. Non basta guardare: bisogna osservarsi, e già qui molti desistono. Guardarsi davvero richiede tempo, e soprattutto richiede onestà.
Quando fotografi te stesso, non puoi scappare dalla tua immagine. Ogni difetto, ogni incertezza, ogni dettaglio che cerchi di nascondere torna a bussare alla porta del sensore.

L’autoritratto è quasi meditativo, nonostante l’umano istinto di maledire treppiede, timer, messa a fuoco auto fallita, e il fatto che spesso sei a metà scatto quando ti rendi conto che la maglia era storta. Non importa: fa tutto parte del processo.

Il laboratorio del fotografo

Dal punto di vista tecnico, l’autoritratto è un parco giochi.
Sei contemporaneamente fotografo, assistente e modello — una specie di micro-produzione cinematografica dove fai tutto tu, tranne il catering (ma probabilmente hai qualche caramella nelle tasche, ammettilo).

È il luogo perfetto per sperimentare:

  • Illuminazione: direzionale, diffusa, laterale, bassa, drammatica, morbida come un’alba… puoi testare tutto, senza temere che il tuo soggetto sbuffi o si annoi. Alla peggio sbufferai da solo, ma almeno non devi pagarti la parcella.
  • Composizione: puoi provare angolazioni insolite, tagli creativi, prospettive che con un modello umano normale verrebbero interpretate come “mi stai fotografando da sotto il mento, sei impazzito?”. Con te stesso puoi fallire liberamente.
  • Espressività: l’autoritratto non è solo una questione estetica, ma un mezzo per comunicare stati d’animo. Puoi essere enigmatico, vulnerabile, teatrale, distaccato, ironico, o semplicemente stanco come tutti noi.
  • Post-produzione: editare un ritratto di sé è un esercizio unico. Impari quando fermarti, cosa enfatizzare, cosa attenuare, e quanto sei disposto a mentire a te stesso tramite curve e livelli.

In altre parole, l’autoritratto è il tuo corso completo di fotografia, con te come cavia da laboratorio e professore allo stesso tempo. Sei contemporaneamente il miglior studente e quello più difficile da gestire.

L’autoritratto come linguaggio

Oltre all’aspetto tecnico, c’è una dimensione più ampia: l’autoritratto come strumento narrativo.
Ogni autoritratto racconta una storia.
Non serve che sia epico o drammatico: basta che sia vero — verità filtrata attraverso lo stile, certo, ma pur sempre verità.

Il fotografo che si ritrae mette in scena una versione di sé che vuole condividere. Non è semplice rappresentazione, ma costruzione: un autoritratto è un dialogo tra la persona reale e quella simbolica.

Chi sei quando ti guardi attraverso la lente?
Chi vuoi essere?
Chi non vuoi essere?

Il tempo della fotografia

Un autoritratto è anche un modo per fermare il tempo, per lasciare una testimonianza di sé in un momento preciso, come un segnalibro nella storia personale.
Riguardare vecchi autoritratti è come sfogliare le versioni precedenti di te: alcune ti faranno sorridere, altre inorridire, alcune ti sembreranno appartenere a un estraneo.

Ma tutto ha un valore.

Ogni autoritratto è una dichiarazione: “Ero qui. Così. In quel momento.”

Un esercizio di vulnerabilità (che tanto non puoi delegare)

Nonostante la sua apparente semplicità, l’autoritratto richiede coraggio.
Mettere se stessi davanti all’obiettivo è un gesto vulnerabile, molto più di quanto si creda.
Ci dimostra che fotografare non è solo guardare il mondo fuori, ma anche guardare dentro.

Molti, infatti, preferiscono evitare il genere proprio per questo: fotografarsi significa vedersi davvero, senza il privilegio di essere solo osservatori esterni.

Eppure è proprio questa vulnerabilità che rende l’autoritratto così potente.
Ci ricorda che la fotografia non è solo tecnica, estetica o bravura: è anche identità, dubbio, ricerca.

E,  perché no, c’è anche un pizzico di autoironia, perché quando devi correre davanti alla fotocamera col timer a 10 secondi, seriamente, chi puoi prendere sul serio?

Conclusione: il volto come destino fotografico

Che tu lo faccia per studio, per introspezione, per necessità o per pura curiosità, l’autoritratto è un percorso che resta.
È un genere che ti accompagna mentre impari a fotografare e continua ad accompagnarti anche quando credi di aver imparato tutto — spoiler: non succede mai.

È una pratica che evolve, come evolve il tuo volto, il tuo stile, il tuo modo di stare nel mondo.

E, nel frattempo, ti dà qualcosa che nessun altro genere può offrirti con la stessa immediatezza: la possibilità di guardarti da fuori e da dentro allo stesso tempo.

Insomma, in poche parole, il miglior soggetto che avrai mai… sei sempre tu.
E non puoi lamentarti, almeno non ti devi pagare la giornata.