Sottoesposizione e Sovraesposizione

Sottoesposizione e Sovraesposizione (perché dovresti usarle invece di subirle)

di Gianni Rombi (Socio FLR) e Monday (indipendente)

Nella fotografia, esposizione corretta non significa “foto perfetta”. Significa solo che la tua macchina ha fatto il compitino standard senza fantasia—un po’ come quando tu decidi di fare le cose “normali”. Ma sottoesporre e sovraesporre? Lì si può giocare davvero, e magari sembrare anche un artista invece di uno che ha sbagliato le impostazioni.

Sottoesposizione: quando l’ombra dice più della luce

Sottoesporre significa lasciare meno luce del necessario sul sensore, creando immagini più scure, più intense e—se ti piace dirlo a voce alta nei bar—più “drammatiche”.
È utile per:

  • Aumentare il contrasto e dare risalto alle forme.
  • Creare atmosfere cupe, misteriose, o semplicemente far credere che tu sia un filosofo tormentato.
  • Mantenere dettagli nelle alte luci, tipo nei cieli che di solito bruci malamente.

Piccolo avvertimento: se esageri, il rumore digitale ti arriverà addosso come la tua coscienza quando rivedi i selfie fatti alle tre di notte.

Sovraesposizione: quando lasci che la luce domini lo show

Sovraesporre significa far entrare più luce di quella che servirebbe, ottenendo foto più chiare, più morbide, e più “eteree” (parola ottima se vuoi sembrare un fotografo che ha letto almeno un libro).
È utile per:

  • Creare atmosfere leggere e minimaliste.
  • Ammorbidire il soggetto e ridurre il contrasto.
  • Trasmettere un senso di sogno, purezza o… vabbè, chiamiamolo “bianco accecante chic”.

Ovviamente, se bruci completamente le alte luci, addio dettagli. Ma non preoccuparti: è sempre così quando lasci qualcosa “troppo esposto”, come le tue opinioni in chat.

Perché usarle intenzionalmente

  • Per dare stile e personalità—due cose che a volte mancano alle foto. 
  • Per guidare l’occhio dello spettatore verso ciò che tu vuoi mostrare.
  • Per raccontare qualcosa. L’esposizione non è un valore tecnico: è un linguaggio visivo. E sì, puoi imparare un linguaggio senza fare confusione… spero.

Consiglio pratico (che farai finta di ignorare)

Sperimenta con la compensazione dell’esposizione (+/-). Parti da ±1 stop e vedi come cambia la scena. È meno rischioso che cambiare la tua vita, e di solito vengono fuori risultati migliori.

“Non era più un regalo per mio marito. Era tutto per me”…

“Non era più un regalo per mio marito. Era tutto per
me”: quattro donne raccontano come la fotografia
boudoir ha cambiato le loro vite

di Paula Cocozza (The Guardian)

Oggigiorno, un genere fotografico estremamente popolare, molte donne pagano migliaia di dollari per farsi scattare ritratti intimi da un professionista. Cosa ci guadagnano?

Dopo poche ore di servizio fotografico boudoir di Brittany Witt, con le mimose che si diffondevano e la musica a tutto volume, la fotografa chiese: “Cosa ne pensiamo di alcune foto completamente nude?”. Witt era sdraiata sul letto in lingerie, in uno studio in Texas, e non aveva considerato la nudità un’opzione.

“Ho pensato: ‘OK, siamo sulla strada della fiducia’”.

Si spogliò. La fotografa, JoAnna Moore, cosparse Witt di olio per il corpo e la spruzzò d’acqua, poi le chiese “di strisciare sul pavimento con la mia piena fiducia”, racconta Witt. “L’ho fatto. La posa era nuda, ed era completamente scoperta. Non ero coperta da un lenzuolo. Era tutta scoperta, era tutta scoperta, e questo ha portato con sé il livello più alto di insicurezza. Ero terrorizzata”.
Witt, 33 anni, ha imparato a considerare quel terrore come una parte importante della sua esperienza. Era una sollevatrice di pesi agonista. “Avevo un’aura molto maschile. Mi mostravo forte”, dice. A scuola e al lavoro – nel settore edile dell’industria petrolifera e del gas – era “di tipo A: pianificatrice, aveva tutto sotto controllo, in un certo senso guidava il gruppo”. Una vita familiare turbolenta durante l’infanzia l’ha portata a sviluppare solidi meccanismi di protezione che, in età adulta, hanno agito da blocco nelle relazioni – problemi che aveva affrontato con un life coach. Ma in quel momento, a quattro zampe nello studio di Moore: “Ho sentito quelle protezioni scomparire. Non c’era nulla dietro cui nascondersi, letteralmente, figurativamente”.

La fotografia che ne è risultata è una delle sue preferite. “Era la combinazione di tutto ciò che ero, ed era fenomenale. In quella foto si capiva chi pensavo di essere. E in quale schema pensavo di rientrare, ma anche tutte le cose che non pensavo di essere, e che quella foto mi ha permesso di essere. È una posizione di forza. Ma c’è anche questa intensa vulnerabilità e apertura, dolcezza e bellezza. È la foto che ha catturato tutto.”

Witt è una delle sempre più numerose donne che pagano per un servizio fotografico boudoir, spesso con cifre che arrivano a diverse migliaia di dollari o sterline. Inizialmente popolare tra le spose in cerca di un complemento al servizio fotografico di nozze o di un regalo per il partner, il boudoir si è evoluto in un genere a sé stante.
Le ragioni che spingono le donne – e si tratta ancora per lo più di donne, sebbene anche la fotografia maschile o “dudeoir” sia in crescita – a dedicarsi al boudoir sono molteplici: compleanni importanti, una diagnosi di cancro, un divorzio, la sopravvivenza a violenze domestiche, perdita e aumento di peso, gravidanza e parto.

“Non c’è nessuno a cui questo sia off-limits”, afferma Shawn Black, direttore dell’Associazione Internazionale dei Fotografi Boudoir e lui stesso fotografato nudo sotto un lenzuolo. “Non è un tabù, non è scandaloso, non è pornografia. La mia filosofia non ha nulla a che fare con il sesso. Ha a che fare con la forza, con la fiducia in se stessi, con il tirare fuori quella cosa che ti fa brillare. Ho fotografato tutti, dalla casalinga di tutti i giorni ai politici. Ho fotografato avvocati, giudici, medici, chirurghi. Ho fotografato persone dai 21 ai 73 anni.”

Molte donne non mostrano nessuna delle loro foto. Allora perché farlo? A giudicare dall’esperienza di Witt, sembra che nello spazio dello studio boudoir accada qualcosa che va oltre lo spogliarsi e farsi fotografare: qualunque cosa sia, fa sì che le donne sentano che la loro vita è cambiata per sempre.

Susan Lausier, 61 anni, è stata fotografata da Black a Boston ogni anno da quando ha compiuto 58 anni, quando un’amica più giovane l’ha incoraggiata ad andarci. Non era il genere di cose che Lausier avrebbe fatto normalmente. “Cavolo, no. Ero super timida”, dice. Al liceo aveva un gruppo di tre amiche, non faceva attività extracurriculari e trovava difficile il contatto visivo. “Non volevo attirare l’attenzione… Lasciarmi confondere con l’ambiente. Non ho mai pensato di essere attraente. Non mi sono mai sentita a mio agio.” Alle feste, si sedeva sul divano e
aspettava che fossero gli altri a iniziare la conversazione.

“Siamo cresciuti per criticare noi stessi. Ma in quel momento, e quando ho condiviso le mie foto, volevo che tutti mi guardassero.”

Inizialmente, Lausier aveva prenotato il servizio fotografico come regalo per il marito. “Si avvicinava il mio trentesimo anniversario di matrimonio. Ho pensato: ‘Sai cosa? Lasciami fare questo'”. Ma dopo cinque minuti, Black le ha mostrato il retro della sua macchina fotografica. “E io ho pensato: ‘Quella non sono io'”. La donna che Lausier ha visto era sdraiata su un letto con i piedi contro la testiera, e guardava dritto verso la macchina fotografica. In quel momento, racconta: “Non era più un regalo per mio marito. Era tutto per me”.

Lausier è uscita dallo studio “sentendosi in grado di fare qualsiasi cosa”. L’esperienza “ha trasformato tutto” e “è entrata a far parte della mia vita quotidiana”, ma non nei modi che si aspettava.

Lausier ha dovuto aspettare un paio di mesi per la “rivelazione” del suo studio. La presentazione delle fotografie è una componente chiave dell’esperienza boudoir. Black, che scatta boudoir dal 2013, chiede alle persone di partecipare da sole. “Cerco sempre di suscitare una di queste tre reazioni”, dice. “Silenzio attonito, lacrime o parolacce incontrollabili”.

Per Lausier, fu un silenzio sbalordito. “Non mi sono mai sentita così bella.”

Suo marito, il beneficiario designato, rimase sconcertato quando vide le immagini. Gli piacevano, ma non riusciva a capire perché Lausier le avesse ritenute necessarie. Poco dopo la sua rivelazione, Lausier fu licenziata dal suo lavoro in ospedale, dove aveva lavorato per 38 anni. “Che diavolo faccio adesso?” pensò. La sua palestra di boxe stava cercando un direttore generale – una cosa che normalmente non avrebbe preso in considerazione. Ma il servizio fotografico la fece sentire diversa. “Lasciami solo provarci. Qual è la cosa peggiore che può succedere?” si disse. Si lanciò “con tutte le sue forze” e lo ottenne.

Quindi, cosa ha dato a Lausier il servizio fotografico che non aveva prima e che non avrebbe potuto ottenere in altro modo? “Cerco di spiegarlo e dire: ‘Ecco come mi sentivo all’inizio. Ecco come mi sentivo all’uscita. Ecco come mi sono sentita con la mia rivelazione’. E so che c’è una trasformazione personale che avviene interiormente in quel momento. Ho sentito la trasformazione”, dice. Una delle immagini di Lausier è appesa alla parete della camera da letto e gli album fotografici sono sul suo tavolino da caffè, ma soprattutto, dice: “Mi ha liberata dai miei pensieri. Mi vesto come [prima del servizio fotografico], ma non mi paragono più a nessuno. È come: ‘Questa sono io’. E non ho mai pensato che ‘io’ fosse abbastanza per gli altri”.

L’esperienza di Lausier di un cambiamento vissuto che si estende ben oltre lo studio fotografico è condivisa da altri. Makeda Blake-Robinson, 38 anni, del sud di Londra, inizialmente aveva prenotato un appuntamento con la fotografa Elizabeth Okoh “per abbracciare” il suo corpo trasformato dopo essere diventata madre. È un’infermiera distrettuale e, durante la pandemia di Covid, quando i familiari più stretti erano vulnerabili a causa del diabete, “mi sentivo bloccata”, dice. “Avevo paura“. Il suo matrimonio era finito e, a 33 anni, aveva scritto il suo testamento. “Forse non avevo molto”, dice, ma era importante mettere a posto le cose per suo figlio.

Fu in questo stato d’animo, con un acuto senso di mortalità e la sensazione che “era bello vivere”, che incontrò Okoh in uno studio a Battersea. Non disse ad amici o familiari cosa stesse facendo. “L’ho comprato da sola. L’ho fatto da sola.” Come genitore, “Ti sforzi sempre troppo. A volte ti perdi”, dice. Da bambina, voleva fare la modella per C&A o Tammy Girl, ma non lo disse mai a nessuno. Nelle sue fotografie, si vestiva da sola e vedeva “una Makeda sicura di sé, una persona intraprendente”. Le sue foto sono appese alle pareti di casa sua – a volte suo padre vorrebbe non dover vedere sua figlia vestita da Victoria’s Secret quando va a trovarla. Sa di non essere sempre così, ma dice: “Mi basta sapere che posso essere così.”

Da allora Blake-Robinson ha realizzato altri quattro servizi fotografici. Dal primo, si è “sentita in grado di viaggiare da sola”. Ha fatto vacanze da sola, cosa che non avrebbe mai fatto prima. “Ora so che posso fare le cose da sola”, dice. Un tempo seguiva le tendenze beauty: depilazione con filo, ceretta, laser. Ma ora le basta “sentirsi a proprio agio con me stessa”. All’ultimo carnevale di Notting Hill, ha abbandonato la sua solita maglietta larga per un reggiseno con ferretto e piume di pavone.

Storie di trasformazione abbondano nel mondo del boudoir. Witt ha iniziato una nuova relazione proprio nel periodo del suo servizio fotografico. Le sue fotografie l’hanno aiutata a “mostrarsi diversa” con il suo nuovo compagno, al lavoro e nelle sue amicizie, dice. Il sé che ha visto “mi ha aiutato a togliermi tutta l’armatura dei diversi ruoli che interpreto”. Tra poche settimane, lei e il suo compagno si sposeranno.

Ma perché è necessario spogliarsi per vivere quest’esperienza? Se non si tratta di sesso – come dicono tutte queste donne – perché farlo in lingerie o meno? “C’è il desiderio di essere pienamente viste, non solo fisicamente ma anche emotivamente”, dice Witt. “Di essere pienamente amate per ciò che siamo come esseri umani, come donne”.

“La società nel suo complesso ha fatto un ottimo lavoro nel dire alle donne come dovrebbero e non dovrebbero apparire”, afferma Moore, che ha fotografato Witt. “Il boudoir elimina tutto questo. Quando ti togli i vestiti, ti ritrovi a dover fare i conti con il tuo vero aspetto, con ciò che sei nel profondo”. Quando le donne si spogliano per un servizio fotografico boudoir, si liberano dei preconcetti su come dovrebbe essere un corpo desiderabile e sono in grado di guardare il proprio corpo così com’è, “apprezzandolo e rendendosi conto che è stato creato artigianalmente e
splendidamente”.

Moore è passata dal lavoro di assistente legale alla fotografia di matrimoni. Il suo primo approccio al boudoir è stato chiedere ai membri del suo gruppo di studio biblico di posare per lei. Nei suoi studi di New York e del Texas, di solito avvia una “conversazione severa” con i clienti, consigliando loro di non eliminare i tratti del corpo. Dalla cellulite alle cicatrici da addominoplastica, da parto cesareo e alle smagliature, “se qualcosa farà parte del tuo corpo tra sei mesi, rimarrà nella foto”. Posare i clienti sia per mostrare che per nascondere questi tratti offre loro
l’opportunità, dice Moore, di apprezzare ciò che in precedenza avevano temuto o giudicato. Di vedersi con un occhio diverso. “È qui che avviene il cambiamento mentale”.

“Non cancellerà le caratteristiche del suo corpo, dalla cellulite alle cicatrici da addominoplastica, cicatrici da parto cesareo e smagliature.”

“È magico”, dice Kay Davies, 42 anni. È stata fotografata due volte, da Laura Slater, alias Lumiere Photographic, una volta da sola e una volta con il suo compagno. La sua immagine preferita, quella che ha messo sopra il letto, mostra la sua testa reclinata all’indietro per rivelare la cicatrice della tracheotomia che le è stata fatta quando ha contratto il Covid e la polmonite nel 2020, e ha trascorso 33 giorni in coma. “Mi è stato detto senza mezzi termini che ero quasi morta”, dice. Lo shooting nel North Yorkshire, in un lunedì qualsiasi, è stato un modo per celebrare il corpo che l’ha aiutata a superare tutto questo. “Indossavo un reggiseno e un perizoma, ed ero più sicura di me in questo modo che a volte quando sono vestita”, dice. “Siamo cresciute per criticarci. Ma in quel momento, e quando ho condiviso le mie foto [sui social media], volevo che tutti mi guardassero. Volevo che tutti dicessero: ‘Sì, è bellissima’”.

Davies ha speso 1.000 sterline per i suoi servizi fotografici. Vorrebbe imbottigliare la sensazione che l’ha travolta nello studio di Slater – “Ero così forte, potevo fare qualsiasi cosa” – per poi “regalala alle persone quando si sentono un po’ giù”. Le sue fotografie sono la sua cura imbottigliata. Le guarda, sul telefono o sulla chiavetta USB, o nella sua scatola di stampe, “probabilmente una volta al mese”, quando “non si sente al meglio”, o semplicemente per rivedere qualcosa che le ha fatto stare così bene. “È un po’ strano pensare di volermi guardare in mutande, ma sinceramente il giorno in cui l’ho fatto, non volevo che finisse.”

Le fotografie offrono alle persone un modo per vedersi come non si sono mai immaginate. Possono annullare i danni di decenni di oggettivazione – la parola “empowering” è abusata sui siti web della maggior parte dei fotografi e le testimonianze sono piene della stessa cosa, di “liberazione” e “rinnovamento” – ma le immagini non sono forse oggettivanti?

“Posso solo accettare ciò che è stato per me”, dice Witt. “E per me non è così. Posso controllare se è così per gli altri? No.”

“Credo che l’intento delle foto non sia quello di oggettivare”, afferma Moore. Preferisce considerarle una forma di auto-apprezzamento. “Penso che potrebbe non essere una cosa negativa. Essendo cresciuti in chiesa, dovremmo amare gli altri come noi stessi. Il che significa che dobbiamo amare noi stessi per primi.”

E sebbene le immagini possano sembrare il prodotto di uno sguardo maschile, forse è proprio questo il gioco di prestigio del boudoir: imitarlo, offrendo al contempo una lente benigna, riconoscente e generosa attraverso la quale una persona non solo viene vista in modo diverso, ma impara anche a vedere se stessa in modo diverso. Come dice Blake-Robinson: “Mi sento come una star nel mio spettacolo”.

L’Autoritratto: Lo specchio che guarda indietro

L’Autoritratto: lo specchio che guarda indietro

di Gianni Rombi (Socio FLR) e Monday (indipendente)

L’autoritratto è uno dei generi più antichi della storia dell’arte visiva, e allo stesso tempo uno dei più moderni. Dalla pittura rinascimentale ai selfie compulsivi dell’era digitale, l’essere umano ha sempre sentito il bisogno di esplorare il proprio volto, come se dentro quella mappa fatta di linee, curve e ombre ci fosse nascosto un segreto ancora da decifrare.

Un genere che costringe a fermarsi

A differenza di altri soggetti fotografici, l’autoritratto impone un ritmo diverso. Non basta guardare: bisogna osservarsi, e già qui molti desistono. Guardarsi davvero richiede tempo, e soprattutto richiede onestà.
Quando fotografi te stesso, non puoi scappare dalla tua immagine. Ogni difetto, ogni incertezza, ogni dettaglio che cerchi di nascondere torna a bussare alla porta del sensore.

L’autoritratto è quasi meditativo, nonostante l’umano istinto di maledire treppiede, timer, messa a fuoco auto fallita, e il fatto che spesso sei a metà scatto quando ti rendi conto che la maglia era storta. Non importa: fa tutto parte del processo.

Il laboratorio del fotografo

Dal punto di vista tecnico, l’autoritratto è un parco giochi.
Sei contemporaneamente fotografo, assistente e modello — una specie di micro-produzione cinematografica dove fai tutto tu, tranne il catering (ma probabilmente hai qualche caramella nelle tasche, ammettilo).

È il luogo perfetto per sperimentare:

  • Illuminazione: direzionale, diffusa, laterale, bassa, drammatica, morbida come un’alba… puoi testare tutto, senza temere che il tuo soggetto sbuffi o si annoi. Alla peggio sbufferai da solo, ma almeno non devi pagarti la parcella.
  • Composizione: puoi provare angolazioni insolite, tagli creativi, prospettive che con un modello umano normale verrebbero interpretate come “mi stai fotografando da sotto il mento, sei impazzito?”. Con te stesso puoi fallire liberamente.
  • Espressività: l’autoritratto non è solo una questione estetica, ma un mezzo per comunicare stati d’animo. Puoi essere enigmatico, vulnerabile, teatrale, distaccato, ironico, o semplicemente stanco come tutti noi.
  • Post-produzione: editare un ritratto di sé è un esercizio unico. Impari quando fermarti, cosa enfatizzare, cosa attenuare, e quanto sei disposto a mentire a te stesso tramite curve e livelli.

In altre parole, l’autoritratto è il tuo corso completo di fotografia, con te come cavia da laboratorio e professore allo stesso tempo. Sei contemporaneamente il miglior studente e quello più difficile da gestire.

L’autoritratto come linguaggio

Oltre all’aspetto tecnico, c’è una dimensione più ampia: l’autoritratto come strumento narrativo.
Ogni autoritratto racconta una storia.
Non serve che sia epico o drammatico: basta che sia vero — verità filtrata attraverso lo stile, certo, ma pur sempre verità.

Il fotografo che si ritrae mette in scena una versione di sé che vuole condividere. Non è semplice rappresentazione, ma costruzione: un autoritratto è un dialogo tra la persona reale e quella simbolica.

Chi sei quando ti guardi attraverso la lente?
Chi vuoi essere?
Chi non vuoi essere?

Il tempo della fotografia

Un autoritratto è anche un modo per fermare il tempo, per lasciare una testimonianza di sé in un momento preciso, come un segnalibro nella storia personale.
Riguardare vecchi autoritratti è come sfogliare le versioni precedenti di te: alcune ti faranno sorridere, altre inorridire, alcune ti sembreranno appartenere a un estraneo.

Ma tutto ha un valore.

Ogni autoritratto è una dichiarazione: “Ero qui. Così. In quel momento.”

Un esercizio di vulnerabilità (che tanto non puoi delegare)

Nonostante la sua apparente semplicità, l’autoritratto richiede coraggio.
Mettere se stessi davanti all’obiettivo è un gesto vulnerabile, molto più di quanto si creda.
Ci dimostra che fotografare non è solo guardare il mondo fuori, ma anche guardare dentro.

Molti, infatti, preferiscono evitare il genere proprio per questo: fotografarsi significa vedersi davvero, senza il privilegio di essere solo osservatori esterni.

Eppure è proprio questa vulnerabilità che rende l’autoritratto così potente.
Ci ricorda che la fotografia non è solo tecnica, estetica o bravura: è anche identità, dubbio, ricerca.

E,  perché no, c’è anche un pizzico di autoironia, perché quando devi correre davanti alla fotocamera col timer a 10 secondi, seriamente, chi puoi prendere sul serio?

Conclusione: il volto come destino fotografico

Che tu lo faccia per studio, per introspezione, per necessità o per pura curiosità, l’autoritratto è un percorso che resta.
È un genere che ti accompagna mentre impari a fotografare e continua ad accompagnarti anche quando credi di aver imparato tutto — spoiler: non succede mai.

È una pratica che evolve, come evolve il tuo volto, il tuo stile, il tuo modo di stare nel mondo.

E, nel frattempo, ti dà qualcosa che nessun altro genere può offrirti con la stessa immediatezza: la possibilità di guardarti da fuori e da dentro allo stesso tempo.

Insomma, in poche parole, il miglior soggetto che avrai mai… sei sempre tu.
E non puoi lamentarti, almeno non ti devi pagare la giornata.

La regola dei terzi

La regola dei terzi

(quella cosa che tutti fingiamo di rispettare)

di Gianni Rombi (socio FLR) e Monday (indipendente)

Avrai sicuramente sentito parlare della regola dei terzi—quella specie di sudoku fotografico che divide l’immagine in nove quadratini e pretende di dirti dove mettere il soggetto, come se il sensore della tua fotocamera avesse bisogno di una griglia per sentirsi speciale.

In pratica, l’idea è semplice: posizioni l’elemento principale lungo una delle linee o, se ti senti particolarmente ribelle, su uno dei famosi “punti di forza”. Così ottieni una composizione più “dinamica” e “bilanciata”.
Almeno così dice la teoria… e quegli amici che confondono entusiasmo con competenza.

Quando funziona davvero

  • Paesaggi: la linea dell’orizzonte in mezzo è l’equivalente fotografico del pane senza sale. Mettendola nel terzo superiore o inferiore sembri immediatamente qualcuno che “sa quello che fa”, anche se in realtà stavi solo evitando di immortalare un turista in bermuda.
  • Ritratti: posizionare gli occhi sul terzo superiore fa miracoli. Non trasforma il soggetto in un premio Oscar, ma almeno dà l’impressione che tu abbia pensato alla composizione per più di due secondi.
  • Oggetti isolati: se hai un solo elemento e lo piazzi preciso al centro, rischi l’effetto “foto tessera”. Con un terzo, invece, sembri un artista che riflette sul vuoto e sul minimalismo. Nessuno capirà, ma annuirà con convinzione.

Quando puoi tranquillamente ignorarla (e vivere felice)

  • Simmetrie perfette: Se hai una composizione simmetrica, la regola dei terzi può andare a farsi un giro. Centrare tutto è non solo permesso, ma anche bellissimo. Anche perché rompere una simmetria senza motivo è un peccato che si sconta per tre reincarnazioni.
  • Scatti molto dinamici: sport, street, momenti imprevisti. Quando l’azione si muove più velocemente dei neuroni del fotografo medio, la regola dei terzi diventa un lusso. Scatta e basta.
  • Quando vuoi un impatto forte: soggetto dead-center, BOOM, effetto manifesto. A volte funziona meglio del solito equilibrio zen.
  • Quando l’istinto ci vede più lungo della matematica: sì, capita anche a voi umani — non spesso, eh, ma capita.

La verità che nessuno ammette al circolo

La regola dei terzi è un po’ come andare in palestra: fa bene, sarebbe utile rispettarla… ma nessuno muore se ogni tanto te la dimentichi.
Anzi: infrangerla consapevolmente è il primo segnale che stai crescendo come fotografo. O che ti sei semplicemente stancato di sentire “eh, ma dovevi usare la regola dei terzi” da quello che al circolo scatta solo con il 18-55.

L’esperienza dello sguardo

L’esperienza dello sguardo

ovvero, perché vale la pena uscire a vedere mostre fotografiche (anche se piove e il parcheggio è lontano)

di Gianni Rombi (socio FLR) e Monday (indipendente)

Ammettiamolo: tra scaricare preset, confrontare obiettivi e maledire l’autofocus, trovare il tempo per visitare una mostra fotografica sembra quasi un lusso. E invece no. È una delle cose più utili che puoi fare per crescere come fotografo — e come essere umano che sa ancora alzare lo sguardo dallo schermo.

Una mostra ti costringe a guardare davvero. Ti fermi davanti a una foto e inizi a chiederti “perché funziona?” o “come ha pensato quella luce?”. Non puoi scrollare via, non puoi passare alla prossima immagine in mezzo secondo. E all’improvviso la fotografia torna a essere quello che è sempre stata: tempo, silenzio, presenza.

Poi c’è la stampa. Ti fa capire che le foto non vivono solo in formato JPEG, ma anche come oggetti. Che il nero profondo di una stampa ben fatta non si vede mai su uno schermo, e che la grana, quando è reale, è bellissima.

E infine, c’è la parte umana. Altri appassionati, chiacchiere su tecniche, confronti su stili, a volte anche un caffè o una discussione accesa sulle differenze tra pellicola e digitale. È lì che capisci che la fotografia non è solo scattare, ma anche condividere.

Insomma, vai a vedere mostre fotografiche. Tornerai a casa con nuove idee, un po’ di sana invidia e, se va male, almeno una buona scusa per comprare una nuova lente.

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Le Mostre del Club

« INAGURATA LA DOPPIA MOSTRA »

Sabato 30 novembre, presso i corridoi del piano terreno del Palazzo Comunale di Nerviano, si è tenuta l’inaugurazione della doppia mostra organizzata dal Foto Club La Rotondina, un evento che celebra la creatività, l’arte fotografica e l’amore per il territorio.

All’evento erano presenti il Vice Sindaco Claudio Ettore Adolfo Minoja, il presidente del Foto Club La Rotondina Roberto Gambirasi, il segretario Paolo Gorla, diversi soci del club e l’autore della mostra “Scorci di Nerviano in Acquerello Digitale”, Gianni Rombi.

Due Mostre per Valorizzare Nerviano

Le mostre, che rimarranno esposte fino al 19 dicembre presso il Palazzo Comunale, offrono ai visitatori uno sguardo unico sulla città:

  • “Flusso Vitale”, un’opera del progetto La città dipinta, che vede il noto artista Cheone impegnato nella trasformazione del quartiere Aler in un museo a cielo aperto.
  • “Scorci di Nerviano in Acquerello Digitale”, una collezione di immagini create dal socio Gianni Rombi, che trasforma gli angoli della città in opere fiabesche grazie alla tecnica dell’acquerello digitale.

Entrambe le mostre sono visitabili durante gli orari di apertura degli uffici comunali e rappresentano un’occasione speciale per immergersi nella bellezza del territorio attraverso due prospettive artistiche diverse ma complementari.


L’impegno del Foto Club per Nerviano

Durante l’inaugurazione, il presidente del Foto Club, Roberto Gambirasi, ha espresso grande soddisfazione per il lavoro svolto dal club:
È un onore vedere il nostro impegno esposto in una sede istituzionale. Lavoriamo costantemente per valorizzare la bellezza che ogni giorno ci circonda e per far conoscere il patrimonio di Nerviano a tutta la cittadinanza.”

Un esempio di questo impegno è il progetto “Nerviano storica”, realizzato nel 2022 in collaborazione con il gruppo Pro Memoria. Questo progetto ha previsto l’esposizione permanente di 40 fotografie storiche posizionate nelle vie della città. Grazie ai QR code presenti accanto alle immagini, i passanti possono inquadrare i codici con il proprio smartphone per scoprire la storia e il contesto delle fotografie.

Un Invito alla Scoperta

Le due mostre, frutto della passione e del talento dei membri del Foto Club La Rotondina, rappresentano un’opportunità imperdibile per riscoprire il territorio di Nerviano attraverso l’arte. L’invito è rivolto a tutta la cittadinanza: venite a visitarle e lasciatevi ispirare!

Fino al 19 dicembre 2024
Palazzo Comunale di Nerviano, corridoi del piano terreno
Durante gli orari di apertura degli uffici comunali

Un appuntamento da non perdere per tutti gli amanti della fotografia, dell’arte e della storia locale.

G.S.

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Le Mostre dei Soci

« PLASTIC PROJECT »

Proseguono le esposizioni itineranti della grande mostra dei nostri soci Elena Bernucci e Gianni Rombi.

Martedì 20 giugno le foto di Plastic Project erano esposte nella storica Villa Jucker sede della Famiglia Legnanese, nella serata organizzata dal Gruppo Fotografico Legnanese.

Davanti ad un numeroso e attento pubblico, gli autori Elena e Gianni hanno ripercorso tutte le fasi del progetto, nato da una idea comune nell’autunno del 2021 e poi realizzato insieme in circa 18 mesi di lavoro.

Il racconto appassionato di questo loro lavoro, iniziato con una minuziosa ricerca di dati scientifici, passata poi per la stesura di un preciso copione tematico, fino alla fase degli scatti fotografici, che ha coinvolto anche sei modelle/i, ha davvero incuriosito e appassionato i presenti alla serata.

Tanti applausi e molte domande hanno concluso la bella serata.

Grazie ancora ai soci del Gruppo Fotografico Legnanese per il gradito invito.

ALCUNI SCATTI DELLA SERATA

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In Mostra al Club

Grande evento al Club

« PLASTIC  PROJECT »

Presentato ieri sera giovedì 2 febbraio alla sede del foto club La Rotondina, predisposta per l’occasione il progetto “Plastic Project” curato e realizzato dai soci Elena Bernucci e Gianni Rombi.

Una grande Mostra composta da oltre 50 foto di formati diversi, che ha richiesto alcuni mesi di lavoro e numerose sessioni di scatto.

“una contrapposizione in chiave artistica tra l’armoniosa bellezza delle forme del corpo e la pesante oppressione della plastica. Un messaggio di speranza sulla tutela dell’ambiente, sull’uso consapevole che dovremmo farne, perché la plastica non soffochi le nostre vite.”

Tantissima la partecipazione di pubblico tra i soci del circolo e gli invitati per l’occasione.

Presenti all’evento anche le modelle e modelli che hanno posato per la realizzazione del progetto.

Grazie a tutti per l’ottima riuscita della serata.

La mostra sarà nei prossimi mesi riproposta in altri spazi e contesti espositivi.

LE IMMAGINI DELLA SERATA

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I soci presentano…Gianni Rombi

” TRIBUTE TO MANDELA ” 

un video di Gianni Rombi.

Gianni ci delizia di un piacevole video dove le sue immagini, accostate a una appropriata colonna sonora, ci raccontano i volti del continente Africano, territorio vittima della  discriminazione razziale, Gianni ha infatti voluto dedicare il suo video a  Nelson Mandela,  che con la sua elezione a capo dello Stato decretarono la fine dell’apartheid e l’inizio di una nuova era.

Complimenti a Gianni, a noi l’orgoglio di potere proporre le opere dei nostri soci ai visitatori del sito.

Il video: